Colaboración con Barry Sonnenfeld, director de “La familia Addams” y cinematógrafo de las primeras películas de los Coen, en una nueva incursión en el territorio de la comedia. Velado remake de “El apartamento” para gloria del todavía puntero por aquel tiempo, Michael J.Fox. Broughton propone un acercamiento sensual y de toque jazzístico con un tema central, omnipresente, con empleo de saxo y de estructura lírica ( “Main title” ). Variaciones elegantes como “I owe you one” o sensibles y llenas de glamour como “The doug”, se intercalan entre temas de jazz-fusion y bossa nova como “Barneys”, cómicas incursiones con percusión de jazz ( “Ticket exchange” ) y el mejor tema del score, “Mr. Ireland”, una melodía, variación del tema central, con atrevidas orquestaciones ligeras. Como curiosidad, comentar que una de las dos canciones de la edición, “In your eyes”, está compuesta por el habitual de Sonnenfeld en sus inicios en la dirección, Marc Shaiman.

Duración: 14 cortes. 38’04’’.
Lo mejor: La elegancia del score y las orquestaciones pop de alguno de sus temas.
Lo peor: Que tras la caída de Big Screen, hace una década, sea una edición muy difícil de adquirir.
Tracks destacados: “Mr. Ireland”.

Remake de un popular clásico de Disney, donde los personajes centrales son dos perros y un gato que realizan un largo recorrido por América, en busca de unos dueños que se han marchado de vacaciones. Chance, es un perro algo protestón al que Broughton lo define con acordes de guitarra ( “My name is Chance” ). Sassy, el gato, tiene un gentil tema, noble en el uso de cuerdas y divertido en el empleo del metal ( “Fording the stream” ). El tema principal se asocia a Shadow, un viejo perro sabio y erudito, al que el compositor define con acordes de aventura y de alto epicismo ( “The journey begins” ). Un cuarto tema importante se asocia a la familia humana de todos estos animales, un bello tema a la cuerda que aparece por primera vez en “My name is Chance” y que tiene una dulce rendición al comienzo del corte “Reunited”. Todos estas melodías aparecen, con base musical en estilo Americana, en el tema que cierra la edición, “End credits”. Destaca también “Escape from the pound”, típico corte del compositor lleno de optimismo, divertimento y con tour de force orquestal.

Duración: 10 cortes. 30’59’’.
Lo mejor: El uso de la Americana tradicional y el perfecto acabado con las imágenes.
Lo peor: Una edición de muy escasa duración, en un trabajo de música continua en la película.
Tracks destacados: “The journey begins”, “Escape from the pound”.

Proyecto encargado por el director, George Pan Cosmatos, al genial Jerry Goldsmith, con quien había colaborado en “Rambo” o “Leviathan”, quien por problemas de agenda acabó recomendando a Broughton. Mientras la aproximación inicial del director fue más en la línea de “Silverado” (montó la película con temp tracks de aquella), el compositor acabó imponiendo sus tesis, convirtiendo esta monótona y simple aproximación al personaje de Earp, en un festival de oscuridad, de salvajes acordes al metal y rotundas percusiones (es posible que por la influencia de Goldsmith, se dejara llevar por el empleo que realizaba North de las mismas en el “2001 rejected”, que acababa de grabar el maestro para Varese). Esa oscuridad emerge en el corte inicial “The cowboys”, que define a la banda de peligrosos asesinos a los que debe enfrentarse Wyatt Earp. La familia de este posee un tema, “A family”, muy dulce y sensitivo, uno de los pocos momentos de lirismo que convierten la partitura en un referente del western. Un tercer tema, el central, se expone en “Arrival in Tombstone”, desarrollado con marcial empleo de la percusión en el corte final “Looking at heaven”. Al amor de Wyatt , Josephine, se le asocia el tema más romántico del score y se convierte en ejemplo claro del enfrentamiento musical que realiza Broughton entre oscuridad y abierta esperanza ( “Josephine” ). La rendición final de ese tema, a ritmo de waltz, en “Looking at heaven” ofrecen uno de los momentos más interesantes en la carrera del compositor. En contraposición, la violencia se adueña de cortes como “The O.K.Corral” y “Finishing it”, perfecta combinación de ideas musicales que giran sobre el bien y el mal. Interesantísimo trabajo donde el compositor huye de la orquestación típica del género, empleando más que instrumentos asociados al mismo, como la guitarra o la armónica, auténtica instrumentación étnica: el cimbalyon húngaro, un silbato de hojalata irlandés, o un contrabajo específicamente francés.

Duración: 18 cortes. 66’44’’.
Lo mejor: La perfecta simbiosis de momentos violentos y oscuros frente a las referencias a espacios abiertos y a melodías diáfanas.
Lo peor: Nada en absoluto.
Tracks destacados: “Looking at heaven”, “The O.K.Corral”.

Con John Hughes a los mandos del guión, “El peque se va de marcha” se inscribe en el género más que cómico, disparatado, proponiendo al espectador la nada probable posibilidad de que un bebé campe por sus respetos alrededor de la gran manzana. Broughton vuelve a acudir a cierta instrumentación navideña, para regalarnos un ejercicio lleno de inocencia salvaje. Pura dicotomía que resuelve con un tema central magnífico en un estilo cercano a la nana, expuesto en sus primeros acordes al clarinete y la cuerda, desplegando a posteriori un jugoso tutti orquestal repleto de ritmo y divertimento ( “Main title” ). Tema omnipresente a lo largo de la partitura, que refleja de manera más cándida en “The Boo Boo book” y con uso coral navideño en “The end of the story”. Un segundo tema en importancia, menos activo y reflejando la inocencia del bebe, se abre con acordes de nana en el corte “Not baby bink”, desarrollándose espléndidamente en “I know where he is”, alcanzando notas muy altas en la cuerda con un marcado estilo nostálgico. A destacar un inspirado “The construction site” donde pasa a homenajear “El Danubio Azul” en un precioso waltz-collage, ritmo que utilizará de nuevo para versionar el tema central en “Quitting time”.

Duración: 17 cortes. 38’14’’.
Lo mejor: La contagiosa simbiosis entre divertimento desenfadado y nostalgia del score.
Lo peor: Promocional imposible de encontrar salvo en subastas donde alcanza precios escandalosos.
Tracks destacados: “Main title”, “I know where he is”.

Remake del clásico de 1947 al que ponía música Cyril Mockridge. De nuevo con John Hughes, esta vez además en la producción. Hablar musicalmente de esta película es hablar de la Navidad con mayúsculas. Broughton ha dotado a esta época del año de melodías que cuentan entre la antología de temas navideños, pero en “Milagro en la ciudad” la más recordada alrededor de la Pascua, encontrándose de hecho en la actual librería musical americana referente al tema. El “Main title” la recoge en todo su esplendor con uso de coros e instrumentación navideña al uso: largas cuerdas, metal, campanillas y piccolos. La partitura se articula alrededor del mismo, encontrando una bellísima rendición en fusión con el tema de amor (el otro tema importante) en “The people we love”. Tema de amor que aparece en una versión con Dan Higgins al saxo en “Love theme”. Un marcado aire clásico impregna ciertos cortes con incursiones cercanas a Handel y Vivaldi ( “Charmin’ Armin”, “Patty’s rescue”, “Completely out of his mind” ). Asimismo Broughton aporta una canción navideña propia entregada a un coro religioso en “The Bellevue Carol”.

Duración: 30 cortes. 67’50’’.
Lo mejor: Ideal para adentrarse en el universo navideño. La calidad de su melodía central.
Lo peor: La duración de la edición, que convierte la escucha, en ocasiones, rutinaria.
Tracks destacados: “Main title”, “The people we love”.

Broughton comienza a prescindir de las orquestaciones de su colaborador habitual, Don Nemitz, para encargarse el mismo de la tarea. Así, en esta segunda parte de “Homeward Bound”, donde dos perros y un gato se pierden en el aeropuerto de San Francisco al despedir a sus dueños rumbo a Canadá, reutiliza todos los leifmotiv de la primera, encontrando dolo algunos cortes con material nuevo. En “A homeward bound Overture”, además de los temas de Shadow, Sassy y Chance surge un nuevo sub-tema gentil expuesto al saxo, de fuerte carácter evocador. “Bungled Ambush” introduce una melodía country-blues con utilización de guitarra y armónica, “The fire” es un tema con cierto hálito épico que acaba con una rendición noble al leitmotiv de Shadow, mientras “Attacking the red van” y “A thing of beauty” son cortes de acción, algo convencional el primero, resuelto el último con cierta orquestación setentera.

Duración: 11 cortes. 35’53’’.
Lo mejor: Poco se puede destacar de este trabajo rutinario y poco original.
Lo peor: La monotonía que impregna el subrayado musical. La excesiva utilización de los motivos centrales de la primera. Muy difícil de encontrar.
Tracks destacados: “The fire”.

Esta primera colaboración con el director Bruno Barreto, supone para Broughton un giro de 180 grados en su carrera, al contribuir a un proyecto alejado de sus bombásticas marcha y enérgicos cortes de acción, para adentrase en el estudio de personajes, en dramas donde importa más lo que no se cuenta que lo que el espectador ve en pantalla. La rutinaria vida de un profesor de mediana edad, que lleva muchos años de discreto noviazgo con la viuda de su mejor amigo, salta por los aires al comenzar un escarceo amoroso con una de sus alumnas. La orquestación es sencilla, a base de cuerdas, maderas, guitarra, arpa y piano, enfatizando líneas solistas para pequeño grupo de instrumentos, donde el uso del silencio convierte la música en un personaje más de la historia. La delicada melodía asociada al profesor e interpretada por el oboe con acompañamiento de cuerda en modo menor, abre la edición en “Main title”. Ese tema solitario y triste, anodino pero trágico, simbolizando perfectamente la personalidad del maduro profesor, extiende sus tentáculos a lo largo de la partitura, donde asistimos a otro ramillete de temas del que sobresale el asociado a su desahuciada madre. En “Momma” el piano lleva el peso de la instrumentación, mientras una variación, con interesante empleo de dramatismo en la cuerda, se aprecia en “The funeral”. Los expresivos pasajes a la cuerda de “The barn fire” abren paso a una última parte del score que potencia la cuerda en modo mayor. Así la inspiración se apodera de “At the ocean” y de “End credits” antes de que el círculo se cierre con la exposición final del tema central al clarinete.

Duración: 12 cortes. 34’58’’.
Lo mejor: Broughton se acerca a un estilo impresionista con melodías que progresan y se enriquecen según avanza el score.
Lo peor: Que la escucha requiere paciencia y cierto gusto.
Tracks destacados: “At the ocean”, “The funeral”, “End credits”.

Dirigida e interpretada por Matthew Broderick, supone un nuevo acercamiento a la introspección y el intimismo iniciado con “Carried Away”, si bien se distancia de aquella en cuanto que las melodías no progresan sino que aparecen como compartimentos estancados sin lograr envolver al espectador. Este melodrama ambientado en la Segunda Guerra Mundial relata la historia de un físico que enamorado de su novia tuberculosa decide casarse con ella, desobedeciendo los consejos de cuantos le rodean. El “Prologue” hace hincapié en ambos aspectos, su mutada trompeta revela una llamada a las armas para situar la historia, mientras las líneas melódicas apoyadas en el viento reflejan la inocencia y el romance de los amantes. El tema central se asocia a Arline (Patricia Arquette) con una bella melodía al piano, secundada por arpa, viento y cuerda ( “Arline and the red dress”, “Epilogue” ). Ritmos entregados a una big band salpican el score para alejarlo de esa línea melódica intimista ( “1939”, “1941”, “Moving to Alburquerque” ), pero la tragedia, siempre desde un punto de vista romantizado, se instala para no alejarse más a partir de “Arline’s death”.

Duración: 15 cortes. 30’39’’.
Lo mejor: El sentido de tragedia contenida, el no caer en el melodrama fácil entregando las melodías a la cuerda.
Lo peor: La monotonía de su estilo monotemático.
Tracks destacados: “Arline and the red dress”.

Cd realizado cinco meses antes del estreno de la película, supone su segunda colaboración con Pan Cosmatos. Para esta excitante historia de conspiraciones alrededor de la figura del Presidente de los Estados Unidos, con intento de magnicidio incluido, Broughton realiza un score profundamente agresivo, poderoso, en constante movimiento. Para ello, centra el trabajo en el uso de percusiones, hasta un total de once distintas incluyendo: taikos, marimbas, bongos, tambores y congas. Material agresivo que inicia desde el primer corte, “ The hit”. Tendencia que denota claramente en un segundo motivo central de líneas descendentes en las trompas, aderezado de profusas percusiones en “Georgetown pursuit” y “Hitter on the roof”. El tema central, “To the White House” es memorable y funciona como marcha enérgica y épica a la perfección. Los extensísimos cortes “White house chaos” (14 minutos) y “Attemped assasination/End credits” (10 minutos) son un auténtico tour de force, que pasan del misterio en modo menor a trepidantes ritmos en modo mayor.

Duración: 13 cortes. 57’41’’.
Lo mejor: La fuerza y el despliegue percusivo de esta trepidante partitura.
Lo peor: La inexistencia de motivos secundarios de interés y en especial la nula aparición de leifmotiv que definan a los personajes (más en demérito del director).
Tracks destacados: “To the White House”, “Georgetown pursuit”.

Trabajo televisivo que ahonda en una visión feminista del viejo Oeste donde fueron los hombres los que implantaron sus normas, basándose en la novela de Janis Woods Windle. Broughton acude de nuevo a la Americana Tradicional en un score dominado por los instrumentos de viento y repleto de variedad temática. El espléndido y gentil tema central emerge en el “Main title” al metal, para lograr su mejor expresión en el corte “Setting out”, épico y dramático a partes iguales. Alrededor fluyen melodías asociadas a los distintos caracteres del film. Por un lado, “Phemie joins Sarah” expone para flauta y cuerda un tema asociado a las hermanas donde el compositor se deja envolver en los sonidos “coplandnescos”. Para el malvado guerrero indio, Tarántula, emplea una melodía fuertemente étnica en el uso de flautas y percusión autóctona ( “Trail of tears”, “Mattie is returned”, “Big Elm draw” ). Dos interesantes temas de amor apoyan la parte romántica del relato. En el dulce “Bartlett’s sonnet” (asociado a Sarah y Bartlett), el viento trasmite aires evocadores, mientras en el más romántico “William and Phemie”, la cuerda aporta lirismo y pasión. Lirismo que aparece de nuevo en el magnífico “Georgia´s death”, visiblemente trágico. Su esfuerzo obtuvo como recompensa una nominación a los Emmy.

Duración: 25 cortes. 73’21’’.
Lo mejor: La gran variedad de melodías y un fuerte estilo romantizado de la acción, más dramática que épica en su acercamiento al Oeste.
Lo peor: Que a partir de entonces, Broughton solo podrá aportar lo mejor de sí en trabajos circunscritos al campo televisivo.
Tracks destacados: “Setting out”, “The lynching”, “Georgia´s death”.

Traslación al campo cinematográfico de la vieja serie creada por el mítico Irwin Allen sobre una familia (los Robinson) que se lanzan a la colonización del espacio en el ya pasado 1997. Mientras la serie veía la luz el 15 de Septiembre de 1965 en la CBS y contaba con compositores de la talla de John Williams, Joseph Mullendore y Alexander Courage (más conocido como uno de los orquestadores más prolíficos bajo las órdenes de Jerry Goldsmith) para procurar consistencia emocional a la saga, Broughton se hizo cargo de un proyecto del que solo dispuso de dos semanas y media para la composición. El score es sorprendentemente operístico y bascula alrededor de un tema central omnipresente que aparece, de manera heráldica, al inicio del corte “Preparing for space” y que sufre innumerables variaciones convirtiéndose en nostálgico y triste en “Guiding stars”, dramático en “Attempted escape”, épico para “The time portal”, muy noble en “Through the planet” y a ritmo de marcha y cercano a un estilo fanfárrico en el corte que cierra la edición, “Lost in space”. Un tema asociado al malvado Dr. Smith (Gary Oldman) sinuoso y ténebre, reflejo de su maquiavélica personalidad, alcanza su máxima exposición en el corte “Spider Smith”, mientras en “Into the sun” se insinúa de manera amenazante. Algunos motivos secundarios son dignos de mención, en especial los ritmos agitados en el empleo de percusión y metal en “Robot attack” y el uso de coros misteriosos en el corte “A new world”.

Duración: 20 cortes. 66’35’’.
Lo mejor: La huida de tópicos asociados al campo de la ciencia ficción. Su fuerte clasicismo, sin empleo de elementos electrónicos asociados inevitablemente a historias futuristas.
Lo peor: El escaso tiempo para su composición. Se nota en el empleo excesivo de un tema central sin un cuerpo interesante de motivos secundarios.
Tracks destacados: “Lost in space”, “Through the planet”.

Segunda colaboración con el director Bruno Barreto, para el que vuelve a alejarse de su sonido tipo, en el afán de recrear un mórbido ambiente que acompañe las andanzas de un policía a la búsqueda de una explicación que esconda el macabro asesinato y violación de una monja. Consigue ese sórdido sonido a base de contraponer cuerda, piano, percusión y profusión de elementos electrónicos. Convirtiéndose así en la partitura más electrónica del compositor, la gélida atonalidad de sus notas convierten su trabajo en algo frío y de marcado carácter atmosférico. El empleo de la cuerda y el piano en cortes como “The Alley” o “Defying Diaz”, aportan cierta calidez a un conjunto que funciona a la perfección con las imágenes, pero que se muestra en exceso monótono y distante del oyente. Destacar un tema asociado a Bo y Joey ( “Bo’s testimony” ) sereno y de cierta entidad melódica y el magnífico uso del piano en “Exoneration”, el mejor corte de la edición.

Duración: 9 cortes. 32’54’’.
Lo mejor: Poco se puede destacar de este trabajo personal pero excesivamente insípido y frío.
Lo peor: El empleo de unos sintetizadores poco cálidos y el económico uso de temas.
Tracks destacados: “Exoneration”.

Incursión en el terreno del drama bíblico, el telefilm, coproducción italo-germano-americana, narra el advenimiento de Dios a Jeremiah, habitante del pueblo de Anathoth, para convertirle en su profeta y propagador de la religión monoteísta, en contraposición a sus vecinos egipcios y babilónicos. El score es inusual también en la carrera del compositor. De fuerte sentido étnico, en el empleo de bansuris, percusiones y flautas arábigas y utilización de voces, marca el camino a seguir desde sus primeros cortes, como en “Entering Jerusalem” donde fusiona ritmos percusivos con cálido empleo de flautas y voz femenina. En “Judith” mantiene el mismo esquema con dulce empleo de flauta, convirtiéndose el score a partir de ese momento en una sucesión de melodías, entregadas al viento, que desgranan un claro sentimiento de soledad en el personaje, incomprendido entre su propio pueblo, y que incluyen utilización de aparato electrónico junto a las consabidas percusiones, siendo uno de sus mejores ejemplos “A voice in the desert”.

Duración: 13 cortes. 47’12’’.
Lo mejor: Huyendo de la composición épica, prefiere centrarse en una instrumentación propia del período. Abre camino a composiciones posteriores, con planteamiento semejante, como “La pasión de Cristo”.
Lo peor: El escaso presupuesto ejemplarizado en el uso de sintetizadores. Varios temas como “The Babylonians approach” o “Jerusalem Falls”, lo convierten en un trabajo irregular y en ocasiones pobre.
Tracks destacados: “Entering Jerusalem”.

Primera incursión en el terreno del videojuego, donde emplea una poderosa formación orquestal, claro precedente de las aportaciones, algunas interesantísimas, que hoy día posee este medio. A pesar del hecho, más que dudoso pudiendo tratarse de una errata, que en el libreto del cd se haga referencia a que fue grabado en 1990, la edición refleja un score puramente cinematográfico con el uso de un tema central gentil y épico, tan del estilo del compositor, que emerge en “Andy´s mission” y que queda recubierto de un vibrante empleo de metales y percusiones que nos sumergen por completo en terrenos de acción y aventura, y que se desarrolla en numerosos cortes como “Space island” o en el espléndido cierre enérgico que propone el larguísimo “End credits”. Un tema oscuro y potente asociado al “Maestro de la Oscuridad” aparece al final del “Main title”, y se irradia a diversos cortes (en especial “Andy’s victory” ) en una edición que se torna oscura y atonal a partes iguales que épica y dinámica. El sentido del humor se encuentra presente en el tema asociado a los amigos de Andy, con el empleo de la marimba ( “Andy´s friend”, “Space Island” ).

Duración: 11 cortes. 34’55’’.
Lo mejor: Su aire de partitura de animación, con un tema central poderoso y épico, en un ejercicio que supone abrir caminos a la eclosión de fuertes partituras sinfónicas asociadas a esta nueva forma de entretenimiento.
Lo peor: Poco se puede decir en contra de este encomiable esfuerzo.
Tracks destacados: “Andy’s mission”, “End credits”.

Primero de los cuatro cds promocionales editados por este sello y que recogen una muestra de los trabajos del maestro desde los 80 hasta finales de los 90. Algunos más interesantes que otros, en especial en referencia a su duración y en la inclusión de temas de partituras nunca editadas, el presente “The lighter side”, muestra el lado más ligero del compositor, con incursiones en el terreno de la comedia y del cine de animación. Respecto del lado cómico, junto con las ya editadas “Honey, I blew up the kid” y “Baby’s day out”, destacan por ser temas de scores nunca publicados, dos cortes de “Krippendorf´s tribe” (La tribu de los Krippendorf, 1998) con empleo de percusiones étnicas, algo insustanciales y de mera situación donde sobresale el empleo de un gracioso scherzo a la cuerda y una breve exposición de su tema central a la flauta en “The gigue is up”. Mas interesante, “House arrest” (Arresto en casa, 1996), propone un tema gentil a la cuerda, viento y piano que recuerda sus acercamientos dentro del territorio de la americana tradicional ( “Midvale, USA” ) y un corte cuasi-minimalista en el empleo inicial del piano que se desarrolla en modo menor ( “Small town” ). Mientras la guitarra y cierta orquestación ligera se adueña del “Memories of Dad” para “Big shots” (Una banda de dos, 1987) en un tono nostálgico y disimuladamente evocador, la percusión y el viento se adentran en el terreno más afín y humorístico cercano al “Honey, I blew up the kid” en el corte “Cutting loose” de “So I married an axe murderer” (Una novia sin igual, 1993), donde intenta aportar ciertas dosis de suspense en el empleo de sintetizadores.
Respecto a sus esfuerzos en la animación, junto al espléndido tema central de la serie “Tiny toons adventure” (1990), de gran prodigio imaginativo, encontramos varios ejemplos de su incursión en el terreno de los cortos con “Hog wild Hamton”, “Roller coaster rabbitt” (Roger en la montaña rusa, 1990) y “Off his rockers” (1992), donde el acoplamiento a la imagen es vital con el empleo del pastiche musical cercano al introducido por Carl Stalling.

Duración: 13 cortes. 45’40’’.
Lo mejor: La demostración de que son posible diversos acercamientos en el territorio de la comedia sin incurrir en auto plagios propios. Que la gran mayoría de temas son inéditos.
Lo peor: Algunos pasajes meramente incidentales en sus cortos de animación. Común a estos cuatro promos, el que se encuentren descatalogados.
Tracks destacados: “Theme for Tiny toon adventures”, “Midvale, USA for House arrest”.

Para este segundo cd, Broughton nos propone sumergirnos en un salvaje viaje de persecuciones y excitantes empleos orquestales donde las percusiones y metales se convierten en protagonistas absolutos. Con la posterior edición de los promos de “Narrow margin” y “The presidio”, la presente edición ha pasado a contener únicamente dos cortes inéditos junto a muestras de sus trabajos para las partituras antes citadas, ejemplos de su colaboración con Peter Hyams, además de cortes para “Silverado”, “Young Sherlock Holmes”, “Shadow conspiracy” y “Tombstone”. Respecto a lo inédito, encontramos un misterioso, extremadamente corto e insustancial tema para “Glory and honor” (1998), “Trek on the ice” y un ejemplo de marcial tema de acción ( “High flying” ) para la serie J*A*G* (JAG, alerta roja, 1995), de la que Broughton se encargó de su episodio piloto y del tema central de la serie, con empleo de piano mutado, percusión y deslizante uso de cuerda que desemboca en un tratamiento del tema mas misterioso y atonal.

Duración: 13 cortes. 50’05’’.
Lo mejor: Tensión y acción marca del maestro, siempre interesante, aunque la mayoría de los cortes se encuentren editados.
Lo peor: Precisamente eso, que actualmente no merece la pena hacerse con un producto de subasta por menos de seis minutos de música inédita. Sólo apto para quienes quieran introducirse en el universo broughtoniano.
Tracks destacados: “High flying for J*A*G*”.

Tercer cd, centrado en los géneros del Drama (8 cortes) y la Aventura y Fantasía (12 cortes). Con relación al drama, encontramos tres cortes no editados oficialmente hasta la fecha, junto a temas para “Carried Away”, “The presidio”, “One tough cop” e “Infinity”. Dos cortes pertenecen a “Night ride home” (1999), nueva colaboración de Broughton junto a Glenn Jordan ( “Oh pioneers!” ), en este caso bajo el manto de una historia trágica muy en la onda de “Gente corriente” de Redford. “The family’s grief” es una elegía seca y fría, donde la cuerda y el piano aportan, en perfecto juego con el silencio, angustia y soledad, mientras el largo corte “Time for healing” mucho más cercano en el empleo del viento a “Oh pioneers!” se mueve en un terreno de nuevo solitario y gris, aunque desde una mayor fuerza dramática con la irrupción de su triste tema central a la cuerda. Un nuevo tema, aunque breve, para “Big shots” con empleo de cuerda y guitarra nos sumerge en la nostalgia que impregna casi por completo ese trabajo.
Respecto al universo de la aventura y la fantasía, junto a los ya editados “Lost in space” y “Young Sherlock Holmes”, asistimos a la inclusión de un tema para “Harry and the Hendersons” no incluido en su edición en vinilo: “Looking for Harry”, con una introducción inicial heráldica y noble y la reutilización del tema rítmico y percusivo “Foot prints”. Junto a estos temas, encontramos el corte más largo del cd “Do us no harm” para “The monster squad” (Una pandilla alucinante, 1987) que tras introducción tensa en el empleo de la cuerda y el metal, acaba desarrollando un ejercicio de acción y horror para lleno orquestal con empleo de percusión y coros. De los tres temas presentados que reflejan su trabajo para “A simple wish” (El hada novata, 1997) destacan el corte “Claudia pontificates” en el uso de un solo de violín inicial muy melancólico y una nerviosa melodía muy cómica y de gran profundidad orquestal, y el maravilloso corte “Annabelle believes” que acaba exponiendo su delicioso y cuasi romántico tema central. De “Krippendorf´s tribe” aparecen dos nuevos cortes, mucho más dinámicos y poderosamente étnicos en el empleo de la percusión, destacando especialmente “The Shelmikedmu”. Por último también dos cortes de “Glory and honor”, trabajo por el que Broughton obtuvo un Emmy, el primero frío y atonal, “Falling through the ice”, el segundo mucho más ceremonioso y fanfárrico, a ritmo de marcha, “Independence bay”, se incluyen en esta edición.

Duración: 20 cortes. 72’44’’.
Lo mejor: La amplitud de registros que propone la edición, la más larga en duración y en temas inéditos.
Lo peor: Algunos cortes meramente incidentales, de apoyo.
Tracks destacados: “Time for healing for Night ride home”, “Do us no harm for The monster squad” y “Annabelle believes for A simple wish”.

Doble cd que incluye los temas centrales de 30 trabajos del maestro, 17 de ellos ya editados. Entre lo inédito aparecen temas como el de “Last rites” (Vínculos de sangre, 1988), con su fuga de cuerdas y su aire cuasi-religioso; “Jacknife” (1989) con el piano y la trompeta dando cuerpo a un tema de clara reminiscencia bélica; “Night ride home” que incide en el campo de la americana tradicional desde un punto de vista más sombrío y trágico; la alegre tarantella de “Betsy’s wedding” (Boda pasada por agua, 1990); los trasnochados ritmos modernos de “So I married an axe murderer”; la fusión poco sugestiva con erróneo empleo de aparato electrónico de “Cross my heart” (1987) y la sensibilidad con empleo de guitarra, cuerda y harmónica para “Square dance”. Lo mejor, la implacable energía y dinamismo del espléndido “Ellen’s energy crisis” (compuesto para una atracción del Centro de Energía de Florida, 1996); la gracia y la imaginería del tema vocal para “Tiny toons adventure”; la solemne y olímpica marcha de “The first Olympics: Athens 1896” (1984); el marcial y poderoso tema central para J*A*G*; y la fuerza y nobleza de “The rescue” (Evasión del Norte, 1988).

Duración: 30 cortes. 98’35’’.
Lo mejor: Imprescindible para los neófitos en la obra de Broughton.
Lo peor: La diferencia de duración de cada cd. El corto segundo (35 minutos), hubiera permitido algún trabajo más del compositor.
Tracks destacados: “Ellen’s energy crisis”, “Athens 1896”

Utilizando instrumentos del período: violín, chelo, guitarra, percusión, Broughton se adentra en un universo que le es muy familiar: el del Oeste. En esta ocasión narrando musicalmente las peripecias de una viuda y sus tres hijos que se trasladan a Lucky Diggins, en plena fiebre del oro. Telefilm dirigido por el veterano Jeremy Paul Kagan ( “El golpe II”, “Natty Gann” o incursiones en las exitosas series televisivas “Picket fences”, “Ally McBeal” o la reciente “Taken” ), para mayor gloria de su protagonista, Glenn Close, de nuevo el empleo de la americana tradicional, esta vez tamizada por un mayor grado de tragedia y enriquecida por un empleo de la cuerda con fuerte apego a la tierra, ejemplarizado por la hija de trece años, Lucy, es el recurrente sonido al que acude Bruce en un despliegue musical particularmente puro en su acercamiento al Oeste, basado en un tema central de fuerte tono inocente y gentil que emerge para pocos instrumentos en “Meet Lucy Whipple” y que acompaña al oyente, envolviéndole en “In Annie’s world”, aportando nostalgia y cierta dosis de tensión en “Lucy defends” y un bello colofón en “Follow your heart”. Junto a este, otros dos temas secundarios trágicos y dulces, con empleo solitario de violín y chelo sobre guitarra hacen referencia al padre muerto ( “Poppa?” ) y al hijo que acaba falleciendo en esas lejanas tierras ( “The death of Butte” ). En el fondo, el Oeste sirve de excusa para realizar un ejercicio sonoro nostálgico, evocador, de fuerte dramatismo y romantizada presencia.

Duración: 15 cortes. 35’46’’.
Lo mejor: El romanticismo impregnado en cada nota como ejemplo de amor a la tierra y a la lucha contra la adversidad que enfrentan los protagonistas. El aire musical de Oeste auténtico.
Lo peor: Que el producto, como los últimos a los que se enfrenta Broughton, no tenga una difusión acorde al esfuerzo del compositor.
Tracks destacados: “Follow your heart”, “The death of Butte”.

Con una extensión de 22 hectáreas, e inaugurado el 8 de Febrero del 2001, el Disney’s California Adventure es el último parque de atracciones abierto por la factoría Disney. Situado en Anaheim (California) cuenta como atracción estrella con una monumental réplica del Golden Gate. Con motivo de la inauguración se puso a la venta en una tirada limitada un disco con músicas para las atracciones del recinto. El disco que nos ocupa se centra en una colección de canciones de escaso interés que podrían pasar desapercibidas en cualquier discoteca que se precie, salvo por el hecho de contener dos cortes instrumentales creados por los míticos Jerry Goldsmith y Bruce Broughton. El mágico “Soarin’ over California” fue creado por Goldsmith como base para una atracción que permite sobrevolar la réplica del Golden Gate y el resto de atracciones del parque. Por su parte, Broughton contribuye con el tema “Seasons of the vine”, una melodía de cuatro minutos y medio, plena de nobleza y con delicado empleo de guitarras y cuerda que le acercan al estilo de “The Old man and the sea”, mientras el sello habitual del autor en la aportación del viento obtiene reminiscencias de la americana tradicional de “Homeward Bound”. Esta melodía acompaña al turista en el recorrido por la zona que homenajea los famosos valles vinícolas de California, junto a la montaña en forma de oso conocida como “Grizzly Mountain”.

Duración: 1 corte. 4’32’’.
Lo mejor: Sin duda los temas de Goldsmith y Broughton.
Lo peor: Que estos dos magistrales temas ocupen solo 8 minutos en una edición muy difícil de encontrar.
Tracks destacados: “Seasons of the vine”.

Estrenada en televisión en España bajo el nombre de “Mark Twain”, en realidad se trata de una novela autobiográfica, donde el autor narra la historia de un amable hombre del Este que viaja a la dura frontera del Oeste, durante la celebración de la graduación de la hija de Twain. El score se adentro de nuevo en el territorio de la americana tradicional, quedando ligado sospechosamente durante diversos pasajes del mismo ( “Nervous preparation”, “The prize cow” ), al score compuesto para “Homeward bound”. El omnipresente tema central, noble y gentil (similar en estilo al del Shadow, para el film de Disney) aparece en numerosas versiones: en su presentación inicial con orquestación clásica del western en “The Clemens brothers”, con ritmos sincopados y cuerdas en modo mayor en “The adventures begins”, gracil y humorístico en “Indian mail drop”, triste y melancólico en el uso de la flauta en “Mama’s hopes”, romántico con medido uso del piano en “End credits”. De los motivos secundarios destacar un tema que se asocia al personaje de Mr. Balloo con melodía simpática y divertida ( “Under way” ) y el melancólico y romantizado “The Louise story”, construido alrededor de las viejas canciones “The leaving of Liverpool” y “Amazing Grace”.

Duración: 38 cortes. 75’01’’.
Lo mejor: Que es un producto Broughton cien por cien, donde es fácil apreciar su mano: dulces melodías y equilibradas orquestaciones.
Lo peor: La excesiva omnipresencia del tema central y la larga duración de la edición, provocan por momentos una difícil concentración de escucha.
Tracks destacados: “The adventures begins”, “The Louise story”.

Promocional que recoge en forma de suites trabajos del compositor en su vertiente de animación, en concreto piezas realizadas para cortos y series, incluyendo Tiny Toons, Animaniacs y Roger Rabbitt, junto a clásicos temas del cartoon televisivo. Inspirado claramente en las técnicas musicales de Stalling, destaca poderosamente el corte “Carnival presto”, que juguetea con la música asociada a los personajes animados de la Warner, donde Broughton desarrolla un leitmotiv que se pierde en las sucesivas idas y venidas de la orquesta, regalándonos en su tramo final una vivaz y dinámica sonoridad tejana entregada a la aceleración de la cuerda. Interesante se muestra también el inicio de “Scherzo Berzerko in 3 portions” con un ceremonial himno a la manera Walton para perderse en la larga duración del corte en el desarrollo de un sonido “mickeymousing” que va a impregnar el resto de la grabación.

Duración: 6 cortes. 57’25’’.
Lo mejor: El tour de force orquestal y el divertimento general que propone la edición.
Lo peor: El abuso del sonido “mickeymousing” que impide el desarrollo de ningún tema principal destacable.
Tracks destacados: “Carnival presto”, “Teeny tiny coda”.