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Soncinemad: Conferencia Dario Marianelli
Por Manuel Ruiz del Corral |
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Tenía mucho interés en saber cómo Dario Marianelli, al que muchos califican como el compositor revelación del 2005 (y que yo comparto plenamente), llevaba todo el asunto este de la “fama y el éxito repentino”. Y la verdad, acabé sabiéndolo de varias formas…
La primera, y la que quizá más me sorprendió, fue verle con un bloc de notas sentado escuchando todas y cada una de las conferencias, pasando inadvertido entre el público salvo por su asiento reservado…
La segunda fue por su conferencia, por el tono y la cercanía de sus palabras, compartiendo conceptos técnicos y creativos (parecía uno más de los profesionales que nos dispersábamos por la sala tras los grandes nombres), y por la imagen de profesionalidad que nos aportó, fuera de cualquier “falso glamour” o virtuosismo de imagen o palabra.
Y la tercera, porque se lo pregunté. Su contestación fue, dentro de un gesto tímido, algo así como: “prefiero no pensarlo y concentrarme en saber dónde pongo los pies”.
Bien, francamente me reconforta saber que detrás de este talento y calidad musical hay una persona humilde y con las cosas muy claras. Esto da muy buenas perspectivas para poder disfrutar de la evolución de un compositor que promete grandes emociones a los aficionados de la banda sonora… ¡¡gracias, Dario!!.
Su exposición cerró el ciclo de conferencias de SONCINEMAD, con la que quizá fue la más técnica de las realizadas. A través de una amena entrevista realizada por el periodista Mikael Carlsson, Dario recorrió su vida y currículum, con interesantísimas interrupciones al piano para hablarnos de conceptos musicales y creativos, técnicas de composición que ha utilizado, etc.
Resumo la conferencia, siguiendo más o menos el orden cronológico en el que se desarrolló la entrevista, dejando para el último apartado impresiones más generales o comentarios específicos que fueron surgiendo improvisadamente:
1. Los Inicios
No entraré en demasiados detalles biográficos por no resultar redundante, puesto que en ScoreMagacine dispone el lector de una estupenda entrevista realizada por Pablo Nieto AQUI. Repaso los más interesantes…
quería ser ¡¡biólogo!!. Cambió de opinión cuando empezó a estudiar música, piano y voz… se trasladó a Londres, en 1990, para seguir estudiando y mejorar su inglés. Allí tuvo su primer contacto con la música de cine, y creció su interés en la composición para este medio.
No obstante, su fuente de ingresos era principalmente el piano (clases, ejecuciones en directo, etc), y sus composiciones principales eran para danza o concierto. Nos comentó (y posteriormente nos reiteró en más de una ocasión) que de su música de concierto, y en concreto, de las inquietudes creativas que intentaba resolver en ella (experimentación con la música modal, texturas híbridas, su predilección por la melodía, etc.) nace su música de cine.
2. “Ailsa” y sus primeros trabajos para cine.
Nos habla de su primer score, “Ailsa”, de Paddy Breathnach, película irlandesa de 1994. Y nos habla de las dificultades, con cierto aire entrañable: fue su primera película, y también la primera para el director, para los productores… y lo más curioso: tuvo que irse a casa de un amigo a trabajar porque no disponía de PC y samplers (su amigo le dijo algo así como: “Dario, coge mis llaves, y quédate en mi casa…”).
Su currículum prosigue con “El Crimen Desorganizado” (de Breathnach) y “El Guerrero” (de Asif Kapadia). Pero fue su score de 2002 “In this World” (de Michael Winterbottom) el que le dio “la gran oportunidad”, ya que gracias al guionista de esta película (Tony Grisoni), Terry Gilliam se puso en contacto con él para las pruebas musicales de “The Brothers Grimm”, como director del filme.
3. “The Brothers Grimm”
Dario nos comentaba, de nuevo con un tono entrañable, que Gilliam le llamó para la prueba y le dijo algo así como “me gusta tu música, pero, ¿puedes escribir música más rápida?”. Bien, Dario, acostumbrado a los extensos y graduales desarrollos temáticos de su música de concierto y de sus películas previas, tuvo que rebuscar entre archivos (incluso piezas de estudiante), y le envió una “demo” a Gilliam.
Seis meses pasaron, hasta que un día, montando en bicicleta, recibió la esperada llamada de Terry. Gran satisfacción para Dario; como nos insinuó, hubo una durísima competencia para realizar el score (no se dieron nombres…).
“The Brothers Grimm” supone un gran reto musical para Marianelli: una vastísima película, tan surrealista como original y creativa, características del cine de su director. Dario se deshace en elogios hacia Terry Gilliam: “Es muy generoso. Es una fuente de ideas, como fuegos artificiales”. Destaca que Gilliam le ayudó enormemente en el trabajo, y sonríe recordando la buena relación entre ellos y las conversaciones filosóficas que mantuvieron.
Nos reconoce humildemente que este trabajo le provocó un importante estado de tensión y ansiedad, debido a la poca experiencia con la que contaba para este tipo de cine, y por tener que adaptar muchos de sus conceptos creativos a este proyecto. Esto le obligó a llevar un intenso ritmo de trabajo, los 7 días de la semana y más de 10 horas al día.
El problema fundamental lo encontró en los leit-motifs, encontrándose con la necesidad de reducirlos a unidades más pequeñas, en oposición a su estilo de exposición motívica gradual y extensa.
Otro problema importante surgió a partir de los “temp-tracks”. Los “temp-tracks”, por si algún lector no conoce el término, son las pistas musicales que se introducen como referencia en las previsualizaciones de la película, con el objetivo de establecer un carácter de referencia para cada escena/bloque. Esta música no es original, sino está sacada de librerías o de otras películas. En algunas ocasiones, te sacan de un apuro. En otras, son un fuerte lastre para el compositor, que se ve obligado a tomar una referencia que no percibe realmente como válida y viva, y el resultado carece de fuerza y originalidad. En el punto final del artículo comentaré la opinión de Marianelli sobre este tema, y alguna anécdota curiosa.
Los temp-tracks de “The Brothers Grimm”, especialmente en las secciones más experimentales y agresivas de la película, estaban tomados de partituras de Bregovic o Goldsmith. En opinión de Marianelli, ninguna funcionaba. Su apuesta fue convencer a Gilliam de que la película era “rara y loca”, y necesitaba música nueva, sin referencias. Terry confió… se perdió tiempo, pero se llegó a una conclusión acertada.
Señalo los principales conceptos que destacó Dario (muchos de ellos interpretados al piano), sobre los cuales trabajó para crear el score:
• Variedad tímbrica y amplio trabajo con la percusión. Empleó mucho tiempo con el percusionista buscando nuevos sonidos, y reconoce que le “alucinan” algunos resultados, como los conseguidos para sonorizar el bosque, y algunas soluciones originales, como utilizar botellas de cerveza como percusión.
• Ambigüedad armónica, utilizando para ello escalas modales, acordes híbridos, armonizaciones en distinto modo que la melodía principal, etc. En definitiva, se trata de alejarse de los conceptos de la armonía tradicional, mediante “pequeñas variaciones pero suficientemente efectivas”.
• Leit-motifs en pequeñas unidades melódicas. Se siente especialmente satisfecho del tema de la reina, y me comentó posteriormente algún detalle original, como la de incluir sutilmente la famosa nana de Brahms en un bloque (porque Terry Gilliam no hacía más que “tararearla” ese día…)
4. “Pride and Prejudice”
Con “Pride and Prejudice” (Orgullo y Prejuicio), nominada al Oscar y punto de referencia obligado en el currículum de Marianelli, surge la pregunta esperada: “¿adaptación o música original?”.
La respuesta de Dario es contundente: “El equipo de la película quería música original histórica, no música de Beethoven. Nunca ha sido mi intención adaptar el estilo clásico a este trabajo. Yo conozco mucho el lenguaje clásico, y he compuesto desde él”.
Resulta interesante esta afirmación, porque en definitiva, no es lo mismo componer “desde” un lenguaje, que adaptar un lenguaje “hacia” una composición. Y en opinión del que escribe, los resultados han sido de mucha calidad.
Un par de detalles más:
• La idea inicial era tener una partitura íntegramente en piano solo. Esto no funcionó correctamente, y Marianelli orquestó algunos pasajes.
• Dario nos tocó algunos pasajes al piano, desde su esqueleto hasta su máxima expresión. Previamente, se excusó y se “rindió” a la maravillosa ejecución de Jean-Yves Thibaudet en la banda sonora, pianista francés de excepcional talento y técnica.
5. "V de Vendetta"
Prosigue la entrevista con el último éxito de Dario hasta la fecha, el score de “V de Vendetta”, producida por Joel Silver y los hermanos Wachowski. Un score con un acabado final totalmente distinto a los dos anteriores, que encaja con el film de una forma admirable.
Resulta interesante conocer el primer contacto entre Silver y Marianelli, mediante una llamada telefónica del primero: “Dario, espero que te des cuenta de que esto es una película “GRANDE”, y quiero una banda sonora “GRANDE”… acabo de escuchar “Batman Begins”, y quiero algo mas “GRANDE”!! “.
Marianelli nos constata la dificultad de su último proyecto: “una película con personajes complejos y potentes, en las que el diálogo no cesa, y cuyo único punto de partida y referencia era la obertura 1812 y el final climático de la película”.
De aquí surge una decisión muy importante para realizar el score: “Tomar la banda sonora como un largo crescendo musical que culmina en la obertura y el final”. Así pues, Dario escoge comenzar el score con dinámicas suaves, sonidos graves, percusiones en segundo plano, para incrementar la tensión y la potencia sonora conforme avanza la película, en relación con su guión y personajes.
Detalles:
• Dario comenta que la música se mezcló “muy alta y potente” en la película. Esto suele implicar mayor potencia sonora, pero por otra parte pérdida de detalles por los procedimientos empleados. La producción para el CD, sin embargo, la hizo él mismo según sus criterios.
• El momento que más disfrutó, y que más libre se sintió a nivel compositivo (y que muchos hemos disfrutado, tanto en el CD como en la película), es la secuencia de Natalie Portman bajo la lluvia (Evey Reborns), ¡¡única escena sin diálogos ni efectos de sonido!!.
6. El Futuro
Dario Marianelli, cauto y prudente, sólo nos mencionó aquellos proyectos en los que está actualmente trabajando, y que ya han sido publicados en el IMDB: “The Return” y “Goodbye Baffana”. Nos insinuó que tiene más proyectos en cartera, pero que obviamente no puede hablar de ellos…
7. Detalles Adicionales
Enumero a continuación varios detalles comentados por Darío durante la entrevista, ideas que fueron surgiendo espontáneamente, y que no encuadran en ningún proyecto en concreto:
• Sobre su método de composición, solo puede concentrarse en un bloque a la vez. Generalmente, empieza por el concepto armónico como guía musical.
• Respecto a los temp-tracks, su opinión es que son útiles, especialmente si se llega tarde al proyecto. De todos modos, piensa que son inevitables, pero siempre intenta aportar nueva música (como hizo con Terry Gilliam).
• Nos comenta amigablemente que se encuentra en su trabajo diario con demasiados “temp-tracks” de música de Hans Zimmer. Curiosa anécdota que comentándolo en una ocasión con el compositor alemán: Hans le dijo que a él le pasaba igual: “siempre me encuentro a mi mismo en los “temp-tracks!!” .
• Dario se ofrece siempre muy pronto al equipo de dirección y producción de la película; antes incluso del rodaje, para poder aportar su visión y opinión.
• Sobre los directores y productores, nos hace una afirmación interesante: “los directores con los que mejor trabajo son los que no me hablan mucho sobre cómo tengo que hacer las cosas, y me dejan utilizar mis propias ideas”. Nos comenta también que otros directores marcan constantemente todas las pautas, inicio/final de cada bloque, instrumentación, etc.
• Marianelli resalta mucho el concepto de la integridad musical, en el sentido de que es muy importante para él que su música tenga vida propia fuera de la película.
• Respecto a su experiencia en trabajar para Hollywood y para Europa, nos comenta que el nivel de estrés es similar, pero que la orquestación y técnica necesaria, así como la presión de los directores y productores, es mucho mayor en la industria americana.
• Sobre su estancia lejos de sus raíces, nos comenta que está enamorado de Londres y que no se plantea volver a Italia. Respecto a sus influencias de compositores italianos, destaca la fuerte vinculación que siente con los conceptos artísticos de Nino Rota.
8. Conclusiones
Con carácter general, la conferencia fue muy variada, amena y disfrutable a todos los niveles: como profesional, técnico o aficionado.
Mi sensación general, el lector espero que esté de acuerdo conmigo, es que la conferencia fue la de un gran profesional que nos contaba las complicaciones de su trabajo, las decisiones creativas y técnicas que ha tomado en sus diferentes proyectos, y los problemas que los compositores de música para imagen nos encontramos diariamente: con los directores, productores, temp-tracks, los efectos de sonido y diálogos que te “machacan” el score, las diferentes formas de componer en función de la complejidad de la película, encontrar el concepto de leit-motif, etc.
En definitiva, se nos acercó a todos la realidad del mundo de las bandas sonoras de alto nivel, desde la perspectiva de una persona que, de la noche a la mañana, ha subido al estrellato, a las nominaciones de los Oscar, a estar en muchos medios, etc. Pero que, y repito cuánto me reconforta, sigue siendo un profesional con los pies en el suelo, humilde y cercano a la realidad de su trabajo y de la gente que le rodea y respeta.
NOTA: Manuel Ruiz del Corral es músico de cine y crítico de la revista on-line Scoremagacine
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